In der freien Hörspielszene entstehen zunehmend alternative Produktionsmodelle, die abseits großer Studios individuelle Förderung, künstlerische Freiheit und menschliche Nähe in den Mittelpunkt stellen. Diese unabhängigen Labels kombinieren professionellen Anspruch mit einem bewusst einfühlsamen Umgang – vor allem in der Arbeit mit Nachwuchstalenten.
Vom Casting bis zum fertigen Hörspiel
Der Produktionsprozess solcher Projekte beginnt meist mit einer Idee, die zu einem vollständigen Dialogbuch ausgearbeitet wird. Die Besetzungen erfolgen über offene Castings, die sich explizit auch an Anfänger:innen richten. Interessierte senden Sprechproben ein, auf deren Basis mögliche Rollenverteilungen entstehen.
Die Aufnahmen finden online statt – typischerweise über Plattformen wie Discord. Dabei führt die Regie live durch die einzelnen Takes. Nach der Aufnahme senden die Beteiligten ihre Spuren ein, die anschließend geschnitten, mit Sounddesign ergänzt und schließlich über gängige Streaming-Plattformen veröffentlicht werden.
Der Blick für Potenzial
Bei der Rollenvergabe steht nicht Perfektion im Vordergrund, sondern Potenzial. Es geht darum, Stimmen und Persönlichkeiten zu entdecken, die mit der richtigen Anleitung und Regie zur gewünschten Darstellung geführt werden können. Faktoren wie Stimmfarbe, Sprachverständlichkeit, eine gewisse Grundbegabung für schauspielerischen Ausdruck und ein authentisches Auftreten spielen dabei eine größere Rolle als technische Perfektion.
Entscheidend ist auch die persönliche Chemie: Offenheit, Lernbereitschaft und Teamfähigkeit sind zentrale Kriterien. Wer zugänglich ist und eine Entwicklung zulässt, hat beste Chancen – unabhängig vom aktuellen Erfahrungsstand.
Ich lebe Regie als Begleitung, nicht als Kontrolle
Die Regiearbeit bei theurich-media ist zum Beispiel stark menschenzentriert. Anstelle von strengen Anweisungen und standardisierten Methoden steht das individuelle Gegenüber im Fokus. Ich persönlich höre mehr zu, stelle Rückfragen, beobachte und entwickle auf Basis der Persönlichkeit und der Fähigkeiten des jeweiligen Mitwirkenden ein eigenes Vorgehen.
Fachbegriffe verwende ich sparsam. Stattdessen nutze ich alltagssprachliche und nachvollziehbare Bilder, um die Schauspielenden dort abzuholen, wo sie stehen. Geduld, Empathie und konstruktives Feedback prägen den Ton.
Fehler gelten nicht als Rückschritt, sondern als notwendiger Bestandteil des Lernprozesses. Selbst bei vielen Wiederholungen bleiben Regie und Technik unterstützend, respektvoll und wohlwollend.
Cold Reading: Freiheit statt Verkrampfung
Ein zentrales Prinzip meiner Produktionen ist das sogenannte Cold Reading. Die Schauspielenden erhalten den Text bewusst erst während der Regiesitzung. Ziel ist es, spontane, authentische Reaktionen zu ermöglichen – ohne dass sich Anfänger:innen im Vorfeld auf eine bestimmte Interpretation versteifen.
Die erste Version eines Takes entsteht daher immer als freies Angebot der Schauspielenden. Erst danach erfolgt ein gemeinsames Feintuning durch die Regie. Diese Vorgehensweise schützt vor Überkontrolle, gibt kreativen Raum und vermeidet eine künstlich einstudierte Performance.
Vertrauensbildung trotz Distanz
Trotz der Arbeit im digitalen Raum steht bei diesen Projekten eine enge, persönliche Zusammenarbeit im Mittelpunkt. Es entsteht oft schnell ein Vertrauensverhältnis zwischen Regie und Mitwirkenden. Die Gesprächskultur ist offen, locker und wertschätzend. Es wird darauf geachtet, dass sich alle Beteiligten in ihrer Individualität gesehen und ernst genommen fühlen.
Selbst in schwierigen Fällen – etwa bei Nervosität oder Blockaden – wird zuerst der persönliche Dialog gesucht. Gespräche über Erwartungen, Ängste oder Strategien zum Umgang mit Unsicherheit sind fester Bestandteil. Erst wenn trotz aller Unterstützung keine gemeinsame Basis gefunden werden kann, wird eine Umbesetzung in Betracht gezogen – und selbst dann immer mit gegenseitigem Respekt und Verständnis.
Spürbare Entwicklung
Was sich über den Verlauf einer Produktion beobachten lässt, ist oft bemerkenswert. Anfänger:innen, die zu Beginn noch zögerlich oder überfordert wirken, wachsen Schritt für Schritt in ihre Rollen hinein. Die Aufnahmen werden schneller, Reaktionen intuitiver, und die Selbstkorrektur nimmt zu. Viele entwickeln ein Gespür für den Rhythmus der Arbeit, für Sprache, Ausdruck und Timing.
Am Ende entsteht nicht nur ein fertiges Hörspiel, sondern oft auch eine neue Selbsterkenntnis. Wenn die Beteiligten das finale Produkt hören, erleben sie sich in einer neuen Qualität – professioneller, sicherer, authentischer. Der Stolz und die Freude darüber sind groß.
Schauspiel als Kunst, nicht als Abfolge von Regeln
Diese unabhängigen Produktionen setzen auf kreative Freiheit statt technischer Starrheit. Schauspiel wird hier als lebendige Kunstform verstanden – nicht als das Befolgen fester Regeln. Die Beteiligten sollen in ihren Rollen leben, nicht nur ihre Texte aufsagen. Ich persönlich verstehe mich als Regie nicht als Kontrollinstanz, sondern als unterstützende Kraft, die die individuelle Entwicklung begleitet und ermöglicht.
In einer Branche, in der Zeitdruck und Professionalität oft auf Kosten menschlicher Entwicklung gehen, zeigen diese Produktionen: Es geht auch anders. Mit Vertrauen, Geduld und einem offenen Ohr entstehen nicht nur hochwertige Hörspiele – sondern auch persönliche Erfolgsgeschichten. Nachwuchstalente finden hier nicht nur Rollen, sondern auch Räume, in denen sie wachsen können. Und genau das macht diese Art der Arbeit so besonders.